Diretores de grandes animações, como ‘Moana 2’, ‘The Wild Robot’ e ‘Inside Out 2’, discutem suas inspirações criativas, desafios da inteligência artificial e como as animações podem transmitir verdades profundas.
Em um mundo cada vez mais polarizado e complicado, os filmes de animação surgem como um dos últimos refúgios de pura alegria coletiva. As divisões entre esquerda e direita, progressistas e conservadores desaparecem quando nos reunimos em um cinema para ouvir histórias de emoções internas transformadas em personagens carismáticos, assistir às aventuras de deuses elementares e robôs sencientes (ou gnomos de jardim sencientes), e refletir maravilhado sobre a criatividade artística do mundo real, manifestada através de blocos de montar infantis.
The Hollywood Reporter convidou diretores de algumas das animações mais aclamadas da temporada de prêmios deste ano — Josh Cooley, diretor de Transformers One; Kelsey Mann, responsável pela direção de Inside Out 2, o filme de animação de maior bilheteira de todos os tempos; Dana Ledoux Miller, uma das diretoras de Moana 2 (junto com David Derrick e Jason Hand); Morgan Neville, que dirigiu Piece by Piece, o documentário sobre a vida de Pharrell Williams animado com Lego; Nick Park, diretor (junto com Merlin Crossingham) do filme de claymation da Netflix Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl; e Chris Sanders, diretor da The Wild Robot — para falar sobre suas inspirações pessoais, desafios técnicos (incluindo a primeira negociação de drogas em Lego) e por que, apesar da crescente ameaça da inteligência artificial, o futuro da animação parece mais brilhante do que nunca.
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Podemos começar perguntando como vocês se apaixonaram pelos filmes. Qual foi o filme que fez vocês quererem se tornar cineastas?
CHRIS SANDERS Eu diria que, entre o cinema tradicional e a animação, o que fez eu amar cinema, provavelmente foi [1963] It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World. Que filme! É tudo filmado, pessoas pilotando aviões em meio a outdoors. A cena antiga no avião com Mickey Rooney. Santo céu. Eu acabei de reassistir agora. Eu assisto isso uma vez por ano. É realmente um filme.
KELSEY MANN Para mim, definitivamente foi [1977] Star Wars. Acho que se fosse para eu escolher uma memória que realmente fiquei marcada, seria Star Wars porque o vi quando tinha 5 anos. Pode ser uma das minhas lembranças mais antigas.
MORGAN NEVILLE Minha primeira memória ao ver um filme foi [1971] Willy Wonka and the Chocolate Factory. Isso simplesmente explodiu minha mente. Eu não estava pensando em fazer filmes na época, mas é engraçado porque eu mencionei esse filme e acabei referenciando-o no filme que acabei de fazer. É algo que se fecha em um ciclo.
DANA LEDOUX MILLER Eu diria que [1987] The Princess Bride foi provavelmente um dos primeiros filmes que realmente mudaram minha forma de pensar sobre contar histórias, mesmo quando eu era jovem. Era apenas muito divertido e emocionante, e eu acho que me deixou animado para assistir a filmes. Mas também [1992] The Little Mermaid. Eu sei que estou na casa da Disney agora, mas eu prometo que não estão me dizendo para dizer essas coisas. Eu cresci com The Little Mermaid e [1993] Aladdin e [1994] The Lion King. Aqueles foram os filmes que marcaram a minha infância e eu lembro de vê-los no cinema e querer fazer parte daquelas histórias.
JOSH COOLEY O filme que me fez querer ser cineasta foi [1988] Who Framed Roger Rabbit. Apenas amei, amei aquele filme. Ele surgiu no momento certo para mim. Mas antes disso, minha primeira memória no cinema foi assistindo [1982] E.T. the Extra-Terrestrial. Eu lembro claramente disso porque foi a primeira vez que realmente senti algo emocional ao assistir na tela grande. Então olhei para meu pai e lembro de vê-lo chorar. Acho que foi a primeira vez, e uma das poucas vezes, que eu o vi realmente chorar.
NICK PARK Eu já estava começando a fazer minha própria animação em stop-motion quando criança em 8mm. E vi pela primeira vez [1963] Jason and the Argonauts com efeitos visuais de Ray Harryhausen. Todos aqueles seres ganhando vida, a luta dos esqueletos e tudo mais. Eu fiquei maravilhado. Tem uma cena de Argonauts em que estão roubando coisas debaixo da estátua de Talos, e há um momento que Ray Harryhausen anima a cabeça da estátua tomando vida. Ela simplesmente diz: “Errr!” É a coisa mais simples, mas me deixou arrepiado. Eu usei isso para os gnomos no novo filme.
Chris, qual foi a ideia central no seu filme The Wild Robot que te cativou?
SANDERS Com The Wild Robot, certamente foi o livro de Peter Brown [2016], que gira em torno de um robô perdido. É claro que eu amo robôs, e a ideia de um robô que nem sabe que está perdido é extremamente cativante. Mas a cereja no topo foi a história da mãe [dublada por Lupita Nyong’o]. Nunca tive a chance de trabalhar em algo assim. A ideia no centro de The Wild Robot era uma mãe, e isso para mim foi um desafio muito intrigante e cativante.
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Josh, o que te motivou a criar Transformers One?
COOLEY A ideia era que este filme fosse totalmente diferente de todos os outros Transformers porque se passa apenas no planeta deles, Cybertron. Não há humanos envolvidos. Portanto, isso permitiu que todos os personagens emergissem diretamente daqueles que eu cresci assistindo. Mas também se tratou da relação entre os dois personagens principais, passando de amigos a inimigos. Eu apenas adorei essa simplicidade. Esse tema percorre alguns grandes filmes clássicos: [1960] Spartacus, [1956] The Ten Commandments. Eu pensei se essa era uma chance de fazer um filme de ficção científica em outro planeta e também ter uma grande história épica com o tipo mais humano de narrativa já contada com esses personagens, eu precisava aproveitar essa oportunidade.
LEDOUX MILLER Posso apenas dizer obrigado? Porque meus filhos adoraram seu filme. Eu acabei tendo que fazer fantasias de Transformer para o Halloween este ano. Elas realmente se transformam. Foram um grande sucesso, mas eu nunca trabalhei tanto na minha vida!
COOLEY Eu quero ver isso. Você precisa compartilhar isso. Isso é incrível.
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Dana, Moana 2 é o seu primeiro longa como diretora. O que você queria preservar do primeiro filme e o que queria expandir ou transformar com a sua obra?
LEDOUX MILLER O primeiro filme realmente mudou minha vida de várias maneiras. Foi a primeira vez que tivemos uma princesa da Disney como Moana. Eu sou samoana, e nunca tivemos uma superestrela polinésia como essa. E ela era uma mulher. Lembro de assistir a esse filme e pensar que Moana iria mudar a forma como consigo entrar nas salas e apresentar histórias. Não sabia que oito anos atrás faria parte de contar sua história. Na verdade, co-escrevi a versão live-action de Moana também. Eu estava trabalhando nisso quando entrei para a sequência.
Esse primeiro filme trata realmente sobre como se conectar com seu passado e encontrar a si mesmo, o que, de certa forma, me ajudou a fazer isso. Para Moana 2, pensei muito sobre o que significaria para uma jovem que acabou de se tornar liderança de sua comunidade — o que vem a seguir? Sem reinventar toda a jornada do primeiro filme, focamos realmente em garantir que ela continuasse a crescer. Sem mudar o núcleo fundamental de quem ela é, mas expandindo isso.
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Nick, você falou um pouco sobre os desafios do primeiro filme Wallace & Gromit, o de 2005 Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, ao fazer sua história muito britânica dentro do sistema de estúdio com a DreamWorks. Enfrentou alguns desafios semelhantes ao fazer este novo filme com a Netflix?
PARK Estranhamente, este filme foi incrivelmente rápido de fazer. Foram 15 meses de filmagens. Nossa média para longas é cerca de 18 meses. Não me lembro de ter enfrentado problemas, para ser honesto. Pode ser porque estou com jet lag e um pouco confuso agora. Mas o pessoal da Netflix foi muito respeitoso com o legado de Wallace & Gromit e com a sua britanicidade. Foi uma grande curva de aprendizado com a DreamWorks, e em muitos aspectos gostei, mas foi um desafio manter nossas raízes. Estávamos cientes de que a linguagem, os sotaques não poderiam ser totalmente obscuros. Precisávamos ser um pouco mais sensíveis porque não queríamos ter legendas para o público falante de inglês.
Morgan, esse é seu primeiro longa de animação. Por que contar a história de Pharrell Williams como uma animação em Lego?
NEVILLE Bem, olhando para trás nos filmes que fiz, tantos deles foram sobre criatividade e o processo criativo. Eu vejo a criatividade das pessoas como seu próprio tipo de superpoder. E Pharrell é alguém que é tão criativo de tantas maneiras que eu queria fazer muitas perguntas sobre isso, porque ele lidou com o equilíbrio entre seus instintos criativos e um mundo que diz que você é estranho demais ou muito mainstream ou o que quer que seja. Mas fazê-lo em Lego se tornou uma oportunidade não apenas de falar sobre criatividade, mas de ser um ato criativo em si. Como podemos inventar um novo tipo de filme híbrido de certa forma? Constantemente sentimos que estávamos tentando descobrir a gramática do que poderíamos fazer em um filme como esse. Foi tanto incrivelmente divertido quanto interessante, mas também reflexivo, porque Pharrell é meio que um pensador mágico. A ideia literalmente veio dele na primeira conversa que tive com ele. Isso parecia orgânico para ele.
COOLEY Eu quero perguntar sobre isso porque vi seu filme e é incrível como você visualiza o som de forma tão maravilhosa. Pharrell fala sobre como ele tem sinestesia, ele vê a música em cores, é algo muito visual. Como você teria feito isso sem o Lego?
NEVILLE Não sei como você poderia. Vocês, como animadores, têm todas essas possibilidades, mas normalmente, se seu personagem principal tem sinestesia, onde eles vêem cores quando ouvem sons, você não poderia fazer isso em um documentário. Mas na animação, isso parece totalmente orgânico. Tornou-se uma das chaves maravilhosas para o porquê estamos fazendo desse jeito. Eu pude perguntar ao Pharrell: “Como é esse batida?” Qual é a cor dessa batida? E ele me diria. Portanto, todos os batidas e cores no filme são precisas em relação às cores que ele vê em sua mente. Assim é como ele vê seus sons.
KELSEY, Inside Out 2 foi seu primeiro longa de animação como diretor. O chefe criativo da Pixar, Pete Docter, disse antes do lançamento: “Se não funcionar, teremos que mudar tudo sobre como trabalhamos na Pixar.” Como você se sentiu ao ter o peso do futuro da indústria de animação sobre seus ombros?
MANN Pete Docter, que dirigiu o filme original, foi ele quem primeiro veio até mim e me pediu para fazer isso. No início, senti muita empolgação e alegria. Eu honestamente nunca pensei que conseguiria essa chance de dirigir um filme, realmente em lugar algum, quanto mais na Pixar. Portanto, quando ele me pediu, fiquei muito animado. Mas então, você está absolutamente certo. O peso disso tudo me atingiu. É engraçado olhar para trás — agora que o filme está feito e lançado, consigo ver que eu estava definitivamente sentindo alegria, mas também muita ansiedade esmagadora durante esse projeto. E coloquei isso na tela. É realmente uma luta entre minha alegria e ansiedade, que é meio que o tema de toda a execução deste filme.
Josh, como você conseguiu trazer questões como consciência de classe, fake news ou direitos civis em um “filme infantil” como Transformers One?
COOLEY Ao pegar Transformers e colocá-lo em seu planeta, automaticamente surgiu a ideia de como nossa sociedade é estruturada? Eu precisei relacionar o mundo deles ao nosso tanto quanto possível porque é tão estranho. Porque Orion Pax e D-16 são os azarões que não têm a habilidade de se transformar no início, eu imediatamente os coloquei em uma classe baixa. O classismo surgiu simplesmente de trabalhar na história e então surgiu a ideia de ter um líder que está em posição de formar essa estrutura de classes. Não fui intencional em dizer, “Vou falar sobre este tema e este tema e este tema.” Isso apenas cresceu gradualmente da ideia de estar nesse outro planeta e ver a sociedade. Além disso, começamos este filme em 2020. Literalmente meu primeiro dia no filme foi quando o mundo fechou. Portanto, havia muito acontecendo e há muito para trazer de nossas próprias histórias aqui para o filme.
Há certas questões que os estúdios simplesmente rejeitarão ao abordar a animação?
LEDOUX MILLER Isso não foi a minha experiência. Eu não me propus a contar uma história sobre mim mesma crescendo e o que isso significa enquanto o mundo muda ao meu redor, mas tornou-se isso. E todo mundo na Disney foi realmente solidário com isso. Não houve um momento em que alguém disse: “Você não pode contar isso em uma história infantil.” Todos entendem o que se espera, quando você chega e conta a história da Disney, mas em nenhum momento iríamos falar de forma condescendente com nosso público.
SANDERS Estou absolutamente convencido de que você pode contar qualquer história sobre qualquer assunto. Pode ser difícil. Desde que você esteja ciente de como está entregando isso e não exclua nenhuma parte de seu público.
NEVILLE Como estava lidando com tantas questões do mundo real, tivemos muito debate. Temos uma cena do Black Lives Matter em Piece by Piece. Tivemos muitas discussões sobre quanto mostrar e não mostrar. Acho que temos a primeira negociação de drogas em Lego já feita no cinema. Sabíamos que não iríamos animar coisas como Snoop Dogg com um baseado de Lego, mas tivemos que encontrar formas em todas essas instâncias que os adultos entenderiam de certa forma, mas as crianças poderiam ver e funcionaria para elas, mas elas não precisariam necessariamente entender tudo que estava sendo contado.
A animação de Chris e Nick lida diretamente com a questão da inteligência artificial, que obviamente é um grande assunto dentro do mundo da animação. Jeffrey Katzenberg disse que a IA generativa pode significar o fim de 90% dos trabalhos de animação. Quais são suas esperanças e medos para a IA?
PARK Eu não sou muito chegado em tecnologia. Meu colega diretor Merlin Crossingham poderia provavelmente falar muito mais sobre isso. Mas em Wallace & Gromit, a tecnologia é, na verdade, gnomos automatizados. É um mundo um pouco caricatural, onde o fazemos tudo através da comédia. A tecnologia parece se ajustar muito à comédia — quantas vezes as coisas deram errado. Se houver alguma mensagem no filme, é sobre o romance que temos com a tecnologia e se ela melhora nossa humanidade ou de alguma forma a retira. Tentamos não ser pretensiosos sobre isso. Um dos defeitos de Wallace é realmente que ele acredita na tecnologia. Gromit, de certa forma, representa o toque humano, que é o que o filme trata em um nível meta, com a animação feita à mão. Wallace é um personagem imperfeito, e acho que é por isso que gostamos dele, porque — falando por mim pelo menos — todos nós somos um pouco como Wallace, nessa maneira autoengendida que acreditamos que de alguma forma as coisas nos trarão mais felicidade. Obviamente, a tecnologia e a IA têm muitas vantagens e estão avançando. Mas meu filme é apenas sobre manter um olho nas coisas. Se há alguma mensagem, é isso. Aquela e não confiar em pinguins [uma referência ao inimigo de Wallace e Gromit, a ave inexpressiva Feathers McGraw].
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COOLEY Eu não sei muito sobre IA, mas o que eu sei é que você só receberá o que inserir nela. Se isso significa que teremos o mesmo tipo de material repetido voltando para nós, será isso que nos forçará a fazer filmes ainda melhores, que sejam mais emocionantes. Penso em [2022] Everything Everywhere All at Once. Nenhum computador poderia ter feito isso. Isso é insano. E a mesma coisa com [este ano] Longlegs. As coisas que amo são tão novas e originais que sei que só podem vir de pessoas.
LEDOUX MILLER Tanto de cada grande filme que amamos surge de um acidente feliz. São duas pessoas trabalhando em uma sala. No nosso caso, temos Mini Maui [um tatuagem senciente no demônio Maui], que é desenhado à mão em CG. É todo um processo complicado que funciona porque estamos numa sala tentando averiguar se está um quadro acima ou um quadro abaixo, e de repente temos uma piada que não tínhamos antes.
PARK A IA algum dia entenderá ironia e absurdo?
NEVILLE Eu estava conversando com um amigo compositor meu que estava me mostrando esses novos aplicativos de IA. E ele disse: “Isso provavelmente vai apagar 50% do trabalho dos compositores.” O que estamos todos discutindo, que é sobre fazer arte real e feita à mão, é absolutamente valioso. Eu me preocupo mais com o gosto das pessoas e se elas vão se importar com a diferença? Eu acho que se você quer simplesmente voltar para casa no final do dia e deixar a IA gerar um novo episódio de Golden Girls para você ou algo assim, pode ser algo okay, mesmo que seja apenas medíocre.
MANN Tenho certeza de que ainda haverá pessoas que querem algo criado por IA, mas haverá um monte de pessoas que vão querer o oposto. Nick, uma das minhas coisas favoritas sobre seu filme é ver as marcas digitais na argila. Eu amo isso. E acho que as pessoas vão querer mais disso.
SANDERS A questão toda da IA surgiu enquanto estávamos finalizando The Wild Robot. Certamente não estava por aqui quando o livro foi escrito, mas a nova tecnologia digital nos permitiu trazer pessoas de volta para o processo. No nosso caso, tivemos cenários que foram 100% pintados por pessoas. Assim como em The Lion King, assim como [2002] Lilo & Stitch. Não tivemos isso por muito tempo — por décadas. As pessoas reagiram de forma tão positiva à vibração do filme, e eu acho que isso acontece em grande parte porque há uma quantidade imensa de humanidade simplesmente derramada em cada fundo. Você realmente sente isso. Isso me deu muita esperança de que o elemento humano esteja presente nessas coisas.
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Morgan, você trouxe um estilo documental para sua animação. Há até imagens de arquivo que parecem gravações VHS antigas. Como você conseguiu obter esse visual em Lego?
NEVILLE Em documentários, você tem imagens de arquivo e você pula entre proporções de aspecto e tudo mais. Eu realmente queria manter tudo isso. E fizemos muitos testes sobre como obter esse visual de arquivo. Existem todos os tipos de plugins que você pode usar e coisas que você pode fazer na pós-produção. Fizemos muitas experiências com tudo isso, mas, na verdade, o que acabamos fazendo foi pegar as imagens, as imagens terminadas em 4K, exportá-las para VHS e reimportá-las. Essas imagens viveram em uma fita VHS e foram reimportadas para o filme, porque parecia melhor do que qualquer plugin falso tentando fazê-las parecer arquivo. Eu realmente queria uma qualidade analógica para isso.
LEDOUX MILLER Isso é incrível.
NEVILLE A animação no estilo Lego vem com um manual de regras. Você ganha uma pasta do que deve fazer com o Lego. A limitação predominante é que tudo no filme deve ser construído com algo que você pode comprar agora. Uma área que realmente empurramos a Lego foi a tonalidade da pele e cabelo. Eles tinham um tom de pele para pele negra e acabamos desenvolvendo sete. Fizemos um design de trança, e eles disseram que o problema é que poderia quebrar e uma criança poderia engasgar com isso. Acabamos trabalhando com a equipe deles para realmente fazer esses estilos de cabelo, alguns dos quais eles estão fabricando agora, o que é incrível. Esses novos tons de pele, a Lego realmente está fabricando agora.
O que você viu recentemente na animação que inspira você para o futuro desta forma de arte?
MANN Tivemos um ano incrível. Existem tantos grandes filmes que estão nos cinemas agora e são animações e eles estão indo muito bem nas bilheteiras. Eu sinto que isso está trazendo as pessoas de volta para os cinemas. Se você quer se sentir inspirado, basta olhar para todos aqui e olhar para cada uma das pessoas representando os filmes que estão aqui. É um tempo incrível para a animação.
LEDOUX MILLER Nosso filme é sobre auto-evolução, mas no final do dia, trata-se de comunidade. Moana sai para encontrar outras pessoas através do oceano porque ela sabe que construir uma comunidade maior levará a um futuro melhor. Eu acho que agora mais do que nunca, esse sentido de união e encontrar pessoas que vivem vidas diferentes das suas, com quem você pode encontrar conexão compartilhada, parece algo que são momentos prezados. As pessoas querem ser entretidas, querem rir e querem sentir algo. Eu acho que isso significa que o futuro é promissor para a animação.
NEVILLE Acabei de fazer uma exibição de Piece by Piece, e não precisamos nos fixar muito no que está acontecendo agora, mas o filme foi exibido de maneira diferente após a eleição de Trump. As pessoas falaram comigo de forma diferente, dizendo: “É algo que realmente precisava, apenas um momento para pensar sobre o potencial humano, a criatividade humana e a alegria da vida.” Estes são filmes incríveis que todos fizeram aqui, todos falando sobre algo sobre o espírito humano, de uma maneira positiva. Sinto que a animação é realmente o tipo de narrativa mais atemporal, muito mais do que o documentário. Isso é tão valioso neste dia e idade, poder fazer esses filmes que falam não apenas para nós mesmos, mas que falam a outros que compartilham mensagens sobre o valor humano, uma visão compartilhada de uma comunidade no mundo em que vamos viver. Eu acho que todos esses filmes fazem isso. Então, você sabe, eu amo o trabalho que está acontecendo agora.
SANDERS Não pretendo exagerar, mas concordo totalmente. Acho que este ano mais do que nunca, a animação realmente teve um papel importante em entreter as pessoas, confortá-las. Os filmes de animação são um trabalho de amor, você investe tanto tempo neles. Mas vale totalmente a pena porque os filmes de animação perduram. Eles se despojam da idade como nada mais.
NICK, Wallace tornou-se atemporal, mesmo mantendo o mesmo colete de suéter. Para onde você espera que a animação vá no futuro?
PARK Acho que há espaço para todos. Eu realmente echo o que todos disseram. Gostaria de estar anotando muitas dessas coisas. Tem sido muito valioso ouvir todos aqui hoje. Todos nós estamos fazendo um pouco diferente — e isso é ótimo. Mas me lembro de estar inspirado por Robert McKee, que disse que podemos não saber, mas estamos indo ao cinema em busca de significado e verdade. É isso que todos estamos tentando fazer. No lado da comédia, adoro uma citação de Homer — o velho grego, não o da Simpsons — que falou: “Se é engraçado, então é verdade.” Podemos estar falando de desenhos animados e animação e personagens engraçados, mas eles podem expressar grandes verdades ao mesmo tempo. O interessante é que acredito que Os Simpsons tinha Homer realmente dizendo essa linha em um dos episódios.
Esta história apareceu pela primeira vez em uma edição independente da revista The Hollywood Reporter em dezembro. Para receber a revista, clique aqui para se inscrever.
