Cortesia da A24; Cortesia do NYFF
Richard Gere
Richard Gere é uma verdadeira estrela do cinema há quase cinquenta anos, mas essa não era a trajetória que ele inicialmente tinha em mente. “Eu era um pouco snob com relação aos filmes”, diz o jovem septuagenário de 75 anos. “Certamente, eu tinha uma fascinação e adorava filmes. Mas também amava estar no teatro.” Gere menciona seu papel de destaque na peça de Sam Shepard, Killer’s Head, de 1975, como um ponto chave em sua transição para as telas grandes.
“Era um monólogo de 30 minutos de um cowboy trapaceiro que estava na cadeira elétrica, e eram seus últimos pensamentos antes de ser eletrocutado,” ele observa. Isso ocorreu durante uma conversa que teve com THR para um novo episódio do podcast Awards Chatter. “Esse foi um momento decisivo para mim, de conectar-me com um personagem mais ou menos contemporâneo. De muitas maneiras, era muito cinematográfico, embora do ponto de vista de Sam Shepard. Era como capturar um momento. Não era um clássico, não era um musical rock, não estava no repertório de teatros regionais. Era a sua própria criação.”
Gere acrescenta: “Acho que isso me colocou na categoria de ‘Oh, ele é um daqueles caras.’” O filme American Gigolo (1980) solidificou sua posição nesse espaço. A colaboração de Gere com o escritor e diretor Paul Schrader no drama neo-noir o estabeleceu como um protagonista de cinema. Quatro décadas depois, a dupla se reuniu novamente para Oh, Canada, uma adaptação do romance Foregone de Russell Banks, lançado em 2021.
Gere reflete sobre os papéis marcantes de sua carreira enquanto compartilha seu desejo de voltar a lançamentos teatrais. “Em termos de atuação, ocorreu algo na Universidade de Massachusetts Amherst. Você não se formou por causa de outra oportunidade.”
Curiosamente, eu era estudante de filosofia e estava fazendo uma especialização em grego antigo. Não me pergunte por quê, mas era isso que estava em minha direção. Envolvi-me com a escola de atuação e, em algum momento do meu segundo ano, fui com um amigo ator a uma audição em Boston para a Província do Teatro Eugene O’Neill, e acabei conseguindo o trabalho. Recebi a ligação em meu dormitório dizendo que eles adoraram o que fiz e se eu poderia me juntar a eles para o verão, e me lembro de sentir aquela onda de energia: ‘É isso que vou fazer na minha vida’ — foi como sentir um foguete decolando.
Você acabou, aos 21 anos, em Nova York, basicamente na Broadway — não sei se muitas pessoas percebem que suas raízes são em grande parte no teatro musical.
Eu tinha bandas de rock. T toquei guitarra e piano e meu cabelo estava até a cintura, e eu usava muitas joias indianas. Era uma época em Nova York em que havia muitas óperas de rock, e foi na minha primeira audição em Nova York. Um dos diretores com quem trabalhei no teatro, a esposa dele era agente literária, e ela me arranjou uma audição para uma dessas óperas de rock, e consegui o trabalho. Esse musical rock nunca aconteceu realmente, mas foi uma plataforma para outras coisas. Comecei como substituto em Grease e então me tornei o protagonista em Grease, e depois fui para Londres.
O processo de chegar ao filme de 1978, Days of Heaven, foi, no entanto, muito longo. [Terrence Malick], ele realmente é brilhante, mas também é excêntrico e tem seu próprio processo. Ele estava tentando encontrar três atores que se encaixassem. Não sei quantos outros atores e atrizes testei ou conheci — foram meses e meses disso — e, finalmente, disse a Terry: ‘Não posso mais fazer isso. Tome uma decisão ou nos mate, uma ou outra.’ Ele ligou e disse: ‘Quero que você faça isso.’ Isso foi meu primeiro filme, então foi como: ‘Uau.’ Eu sentia aquela onda novamente, de que ‘Ok, é isso que vou fazer. A próxima parte da minha vida é fazer filmes.’ E foi isso que aconteceu.
American Gigolo é um livro de fechamento interessante em relação a Oh, Canada. Foi o terceiro filme que Schrader dirigiu, e parece que, a princípio, você estava dentro, depois fora, e por fim, dentro de novo?
Não acho que eu estivesse nunca dentro. Minha memória é diferente da de Paul. Se estivermos na mesma sala juntos, ele diria: ‘Você está completamente cheio de merda. Isso não aconteceu assim.’
Mas o que realmente aconteceu?
Estou sentado em uma casa alugada em Malibu e estou muito cansado. Eu estive fazendo filmes um atrás do outro, e recebo uma ligação de Paul Schrader. Foi algo grande — Paul nunca perdeu esse fator de ser algo grande. Paul ligou, e havia uma grande urgência, ‘Quero que você faça este filme, mas você precisa me dizer hoje.’ E eu ri. Disse: ‘Paul, vamos lá. É claro que eu te respeito. Deixe-me ler isso.’ [Ele disse], ‘Vou te deixar ler. Mas eu preciso saber até o final do dia.’ Eu disse: ‘Paul, isso não vai acontecer.’ Ele mandou o roteiro e eu li. Era um roteiro muito bom. Eu disse: ‘Paul, você tem que me dar uma noite para pensar sobre isso.’ Muito relutantemente, ele me deixou ter uma noite. Meu processo é demorar para dizer sim a algo. Quero tempo para pensar sobre isso e trabalhar nisso e deixar isso lentamente tomar conta de mim. Ele disse: ‘Estamos filmando em duas semanas.’ Na manhã seguinte, respirei fundo e tomei um risco porque gostei do roteiro e gostava dele. Eu disse: ‘Ok, vamos lá.’
Nos anos entre An Officer and a Gentleman e a dupla de sucesso em 1990, Internal Affairs e Pretty Woman, houve um período em que você teve alguns projetos que não decolaram, e me pergunto se isso foi assustador.
Acho que foi uma escolha subconsciente de minha parte me afastar. Eu disse: ‘Chega. Não gosto desse foco todo.’ E reagi como um animal selvagem. ‘Não quero ser observado.’ Fiz algumas escolhas, não que eu esteja envergonhado disso, mas aquelas escolhas não foram para estar no grande jogo; foram para estar em um jogo menor. Nunca fiz nada e disse: ‘Que se dane. Vou pegar o dinheiro e passar por isso.’ Mesmo em filmes que não acho muito bons, a motivação para fazê-los e a ética de trabalho era a mesma.
Você sabe o que Looking for Mr. Goodbar, An Officer and a Gentleman, Pretty Woman, Primal Fear, Unfaithful e Chicago têm em comum?
Não.
Cada um deles, pelo menos um de seus co-estrelas foi indicado ao Oscar ou ganhou um. Eu acho que você faz com que as pessoas se destaquem. E, no entanto, de alguma forma, essa turma da Academia ainda não acertou com você.
Quer saber a verdade? Eu amo atores e só quero que eles sejam o melhor que podem ser. Não entendo alguns atores que, uma vez que fazem seu papel, se afastam. Eu disse: ‘Estou lá até o fim amargo. Farei offlines para qualquer um.’ E estou lá alimentando energia para isso. Sei que todos esses atores podem dar performances incríveis, e quero fazer parte disso.
Buena Vista/cortesia da Everett Collection
Quarenta e quatro anos após você e Schrader terem feito American Gigolo, vocês se reuniram novamente para Oh, Canada. Leonard Fife é um cineasta documentarista moribundo se abrindo sobre sua vida durante esta última entrevista. Qual foi o aspecto mais desafiador de interpretar esse cara?
Não acho que ele seja realmente conhecível, e não acho que ele deva ser. Todos somos pessoas complicadas. Nunca conheci uma pessoa simples na minha vida. Mesmo a auto-direção dele, a dizer a verdade, é questionável. E mesmo as verdades que ele conta — algumas delas são embaraçosas e vergonhosas — podem não ser verdadeiras. O que é interessante é que ele está tentando comunicar algo, e insiste que sua esposa participe disso. Ele insiste que ela seja a testemunha. O documentário é um veículo; ele realmente não se importa com isso. Ele diz: ‘Posso dizer a verdade quando a câmera está em mim. Mas além disso, não me importo. Este filme não é meu, é deles, e não me importo. Uma vez que isso termina, eles podem fazer o que quiserem. O que é importante é que você esteja aqui.’
Agora estamos 50 anos após sua carreira cinematográfica. Qual é o seu estado da união no momento?
Estou em uma fase nos últimos, não sei quantos, 10 filmes, de pequenos e independentes. Quando comecei a fazer filmes, estava fazendo os mesmos filmes, mas eram produções de estúdio. Os estúdios faziam grandes filmes para todos. E eles faziam programadores, como costumavam chamar, filmes de gênero. Depois, fizeram algumas coisas que eram talvez um pouco mais desafiadoras e de orçamento menor, mas eram parte de seu plano de negócios. Também, sua razão de ser era fazer esses filmes mais difíceis que iam a Cannes e Veneza. Todos esses são filmes independentes agora. Acredito que isso foi acelerado por causa da COVID, que encontrar dinheiro para fazer esses filmes e telas para exibi-los é realmente um desafio. Estou feliz em continuar fazendo-os, mas como as pessoas vão vê-los? Espero que não esteja destinado a ser apenas em casa, onde você está deitado na cama e pode pausar. Não estou feliz com isso. Ainda acho que há uma experiência comunitária, semi-espiritual em ir a um cinema com estranhos, no escuro, e abrir mão do controle. Fico triste que isso possa desaparecer.
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Felicity Jones
“Tudo gira em torno de Chalet Girl,” diz Felicity Jones.
A britânica está rindo em um bar privado de um hotel em Soho, em Londres, festivamente decorado com enfeites vermelhos brilhantes e visco, à espera das festas de fim de ano. A atriz de 41 anos — agora uma atriz nomeada ao Oscar — fala sobre a dificuldade de seu papel de destaque em Chalet Girl, rom-com situada em meio à neve, de Phil Traill, de 2011. “Havia muita festa naquele filme, mas eu sempre tinha que sair mais cedo porque sabia que teria um dia de snowboard pela frente,” conta Jones de forma inesperada à The Hollywood Reporter. “E fazer isso com dor de cabeça era muito mais difícil.”
Essa experiência preparou o terreno, explica ela, para uma carreira marcada por performances tecnicamente desafiadoras. Seu outro projeto mais desafiador? O … muito diferente The Brutalist, o drama de três horas e meia, temático de arquitetura, em que ela estrela como uma sobrevivente húngara do Holocausto com deficiência. O filme foi escrito por Corbet e sua parceira de 12 anos, Mona Fastvold. Com um intervalo na metade e um — espere por isso — orçamento abaixo de $10 milhões, The Brutalist foi o assunto do Festival de Cinema de Veneza deste ano; Corbet ganhou o prêmio de melhor diretor e seus astros, Adrien Brody e Jones, estabeleceram o ritmo para as próximas corridas de atuação. Jones já está com um bom início, tendo obtido uma indicação ao Globo de Ouro pelo papel, assim como Brody e o co-star Guy Pearce.
“É uma indústria que não se conforma a muitas regras, então você simplesmente nunca sabe,” diz Jones, que ganhou uma indicação ao Oscar por sua atuação como Jane Hawking em The Theory of Everything (2014), sobre o elo de prêmios do filme. “Você precisa ter uma certa paz de que, quando toma a decisão de fazer algo, você dá tudo de si. E o que será, será.”
E dar tudo de si é exatamente o que ela faz. Jones apresenta uma exibição hipnotizante como a esposa de Brody, Erzsébet Tóth, que entra em cena apenas após o intervalo, mas, como ela diz apropriadamente, assombra a primeira metade do ambicioso filme de Corbet. “Ela está lá em espírito. E quando a encontramos na segunda metade, sinto que intuitivamente sabemos que tipo de mulher ela é. Você sente que há uma força e um poder. [Mas] é um choque que fisicamente ela está manifestando tanto do trauma que ela passou.”
The Brutalist foi um “gigante para ser feito”, segundo Jones (sua participação começou dois anos antes das filmagens). Ele segue a trajetória de um arquiteto judeu húngaro fictício, László Tóth, fugindo da Europa depois da Segunda Guerra Mundial para construir uma nova vida na América. Ele cai no círculo de um rico empresário, Harrison Lee Van Buren (Pearce), que encomenda um enorme centro comunitário de Tóth. Erzsébet, antigamente jornalista, finalmente consegue se juntar a seu marido nos Estados Unidos com a ajuda dos amigos advogados de Van Buren. Mas inocentemente para o personagem de Brody até que ela chegue, ela está presa a uma cadeira de rodas — resultado da osteoporose, uma doença causada pela desnutrição que Erzsébet sofreu em um campo de concentração nazista.
“Foi apenas uma maneira fascinante de explorar o personagem,” diz Jones sobre atuar em uma cadeira de rodas. Ela falou com um especialista em osteoporose e pesquisou rigorosamente a doença.
“É outro lado de Erzsébet que ela não quis contar ao László,” diz Jones. “Ela não quer que isso seja uma característica definidora de seu relacionamento.” O deles é um casamento baseado no amor e na fé judaica do casal em meio a um cruel contexto político. “A crença dela em Deus está entrelaçada com seu amor por László,” diz Jones. “Muitas vezes, em relações onde ambos sobreviveram ao Holocausto, foi muito difícil que a relação funcionasse porque havia tanto trauma de ambos os lados. E você vê László e Erzsébet lidando com isso. Eles estão ambos buscando algum tipo de segurança emocional — eles estão se agarrando um ao outro com todas as suas forças.”
Brody e Jones não haviam trabalhado juntos antes de The Brutalist. “Mas parecia que trabalhamos juntos por centenas de anos,” recorda. “Era esse tipo de dinâmica. Ambos temos atenção aos detalhes, gostamos de colocar as coisas para fora. Gostamos de improvisar, e é daí que frequentemente vem o humor. Particularmente com o sotaque e o húngaro falando, quanta concentração era necessária… Você realmente precisa se concentrar para fazer isso,” acrescenta com um meio sorriso, meio suspiro.
O sotaque e a fisicalidade são específicos o suficiente para fazer alguém se perguntar em quem Jones tinha em mente ao criar Erzsébet; a mágica conjurada é simplesmente crível e informada demais. “Houve um grande recurso na Biblioteca Britânica,” revela Jones, “que tem um arquivo de pessoas falando sobre suas experiências de sobrevivência do Holocausto. E havia uma mulher chamada Heidi Fisher que havia chegado à Inglaterra e tinha crescido em um contexto socioeconômico semelhante ao de Erzsébet. Usei sua voz como um modelo e consegui encontrar algumas ótimas peças de arquivo dela falando.”
Jones tem um talento (ou gosto?) por interpretar a mulher poderosa por trás de um homem brilhante, mas problemático: a esposa de Stephen Hawking, interpretado por Eddie Redmayne, por exemplo, ou até mesmo a filha do personagem de cientista de Mads Mikkelsen em Rogue One: A Star Wars Story. Acontece que isso foi mencionado a Jones algumas vezes ao longo dos anos. “Simplesmente não consigo me impedir,” diz ela, explicando que é muitas vezes uma resistência que encontra nessas mulheres poderosas que a atrai; nada é mais tentador do que sua demonstração de força. “Você sempre quer ir além dos rótulos de esposa ou mãe, o que fundamenta aquela pessoa. Mas sempre parece que estou atraída para personagens que têm uma atitude desafiadora. Tenho uma produtora [Piecrust Productions] e isso está na raiz da empresa, navegando por essa ideia de desafio,” acrescenta. “Quando houver um momento de desafio no roteiro que estou lendo, então eu penso: ‘Oh, este é definitivamente para mim.’”
Esse momento acontece em The Brutalist quando Erzsébet confronta seus anfitriões condescendentes em uma das cenas mais explosivas do filme. “Brady e eu falamos sobre essa transformação de super-heroína que ela tem. Ela definitivamente se levanta,” diz Jones com um sorriso. “Estando na América, a saúde dela realmente melhora através da dieta, do calor emocional e da alegria de estar com essa pessoa que ama. Ela encontra essa força — ela tem a força mental quando a encontramos — mas precisa obter a força física para realmente enfrentar Van Buren. Nesse momento, temos lampejos de como era sua vida antes dos campos… É pura cinema com o sapato que cai.”
O que foi trabalhar no set com Corbet? “Ele traz uma vulnerabilidade ao que faz,” ela fala sobre seu diretor. “Não há cantos ocultos em Brady. Ele está fazendo histórias que realmente quer fazer, por razões muito corretas. Grande parte deste filme é sobre ele e Mona. Eles são ambos semelhantes a Erzsébet e László. Ambos são diretores, ambos são artistas, e o filme é um retrato de um casamento, de muitas maneiras.”
Como uma das primeiras pessoas a se empolgar com The Brutalist, o que ela acha que torna este filme digno de todo o hype? “Instantaneamente, ao ler o roteiro, pensei que era especial. Tinha muitos fatores diferentes em termos de história, mas também, olhando para a página, você poderia ver que havia um lado técnico imenso neste filme. Dentro das primeiras páginas do roteiro, você tem essas duas colunas de diálogo e essa cacofonia de sons, de pessoas falando umas sobre as outras. Nunca deixa de lado.”
“Há um lado realmente estudioso do filme, mas também tem uma qualidade punk real, e pensei que era essa combinação: de ser tão verdadeira à história, mas [tendo] uma qualidade brechtiana. Isso te lembra que você é um espectador, que você está observando algo e que, de muitas maneiras, você faz parte disso. Eu amei que era uma história sobre sobrevivência, e não era apenas sobrevivência física. Como você sobrevive com suas crenças e seus sonhos intactos quando as circunstâncias ao seu redor estão tornando isso tão difícil?”
Esta história apareceu pela primeira vez em uma edição isolada de dezembro da revista The Hollywood Reporter. Para receber a revista, clique aqui para se inscrever.
